Publications

서안나의 미묘한 순간들

서안나의 작품들은 바라보는 이의 발걸음을 붙드는 힘이 있다. 관객으로서의 나는 아직도 그의 그림 앞에 서 있다.

최근 어떤 작품들 앞에서는 ‘그래그래, 아아 알겠어~’ 하고 휙 지나가거나 조급하게 겅중겅중 건너뛰기도 했는데, 그런 식으로 서안나의 작품을 지나칠 수 없는 이유는, 그 손바닥만 한 화면 위에 물컹하게 숨겨진 이야기들 때문이다. 서안나의 그림들에 모종의 이야기들이 숨겨져 있다는 것은, 보는 순간 직감하게 된다. 그저 눈의 휴식을 선사하는 아름다운 색채와 형태의 조합이 아니라, 혹은 미술계의 인정 시스템에 대한 뻔한 노림수가 있는 것이 아니라, 인간사의 어떤 순간들이 그의 작품에 스며들어 있다는 것을 바로 느끼게 된다. 그림의 제목 이외에는 레퍼런스를 찾을 수 없는, 몇 번의 속도감 있는 붓질로 이루어진 그 작은 그림들에는, 대개 사람들이 포함된 어떤 광경이 담겨 있다. 서안나의 팔레트 위에 있는 특유의 보라와 주황과 노랑과 검정과 초록들이 몇 번의 붓질로 겹치고 겹쳐 만들어진 어떤 순간의 기록들은 보는 사람을 멈칫하게 만든다.

시간으로 말하자면 이삼초에 스쳐 지나갈 법한 짧은 순간들이지만, 기억 속에 잠시 머무르게 되는 그런 장면들이 있다. 말로 표현하자면 그 미묘함이 사라질 수도 있는, 그리고 언어화될 수 있는 영역 밖에 있을지도 모르는 장면들을 그는 오래 생각 속에서 굴리는 편인 것 같다. 그 장면들은 대개 ‘사건’은 아니다. 원인과 결과가 있는 서사적 사건이라기보다는, 합리적 이유를 찾기 어려운, 잠깐 낯설었거나 잠깐 눈길을 사로잡았거나 잠깐 마음을 움직인 어떤 장면들이 그의 화면에 담겨 있다. 어쩌면 한 사람이 살면서 기억 속에 남기는 모든 순간들은 이러한 잠깐들의 연속이 아닐까 싶다.

예컨대 이런 장면 말이다. 함께 전시하는 작가들이 전시장에 모였던 어느 날, 한 작가가 사람들의 무리를 그냥 스쳐지나가 자신의 작 품 앞으로 다가간다. 한 공간에 많은 작가들의 작품이 전시되어 있지만 아랑곳하지 않고 한쪽 구석에 있는 그 자신의 작품 앞으로 걸어가 서 있는 것을 우연히 보았을 때, 서안나는 그 장면을 기억에 담는다. 어떤 특별한 일도 벌어지지 않았고, 어쩌면 그림의 주인공인 당사자조차도 기억하지 못할, 몇 초, 혹은 몇 분간의 이야기가 화면에 그려진다. 그 그림은 실제 담겨 있는 일화의 그 짧은 시간보다 더 오래 사람을 붙든다. 실제의 공간에서는 아무것도 아니었을, 반복되는 일상이 비슷한 순간의 재조립으로만 이어지다가 사소한 차이만을 만들었을 그 장면은, 이제 서안나의 시선으로 영원한 것이 되었다.

그러한 시선은 어떻게 가능한 것일까. 의미의 카테고리 어디에도 제대로 수납될 것 같지 않고, 오히려 의미들의 사이에서 떠돌 수밖 에 없을 것 같은 장면들을 포착하는 그러한 시선 말이다. 나이가 들어갈수록 시간이 덧없이 빠르게 흐르는 것 같은 이유는, 이미 알고 있는 일들이 반복되기 때문이다. 더 이상 놀랄 일도 없고 특별히 예상치 못할 기쁨이나 슬픔, 분노, 격정이 없을 때, 오늘이 어제와 같고, 올해가 작년과 같은 것이다. 인생의 초반기에 겪는, 미지의 세상에 대한 긴장은 겪어내는 모든 일들을 선명하게 만든다. 그 사람의 그 표정은 무슨 뜻이었을까, 거리에서 보았던 그들은 무슨 말을 주고받고 있었던 것일까, 하는 호기심이 부질없음을 알게 되는 때 는 머지않아 찾아온다. ‘그러거나 말거나’ 세상은 돌아가고, 주어진 에너지와 시간이 한정되어 있음을 깨닫게 되면서, 나에게 쓸데있는 일과 쓸데없는 일은 전광석화처럼 분류되어, 어느 때부터는 불러도 못들은 척 고개를 외로 꼬고 있는 늙은 개 신세가 되고 만다. 만사가 다 어디서 본 듯하고 별다른 감흥을 가지지 않는 사람의 시선은 대개 오만하다. 아는 것들, 경험해 본 것들 투성이라 이건 저렇고 저건 이렇다고 단정적으로 말하고 이것과 저것 사이에 있는 미묘한 차이를 무시한다. 하지만 서안나는 분명 이것과 저것 사이, 의미와 의미 사이에 있는 어떤 지점에 호기심의 시선을 거두지 않고 있다. 그는 자신을 둘러싼 세계의 어떤 순간을 끊임없이 기억에 담고, 끊임없이 읽고, 그중 어떤 장면을 그림으로 남긴다.

작품을 그의 인생으로부터 추출해 해석하는 것은 상당히 조심스러운 일이다. 하지만 한국에서 태어난 작가가 이십년의 세월을 타국 에서 생활했다는 것은 그가 세계를 바라보는 방식에, 그리고 그것을 작품에 담아내는 방식에 영향을 미쳤을 것이라고 추측할 수 있다. 언어와 사상의 뿌리가 다른 영국에서 그는 당연하게 국외자의 시선을 가지게 되었을 것이다. 한국에 가끔 돌아올 때 역시 마찬가지였을 것인데, 이곳은 빠르게 변화되는 곳이기 때문이다. ‘영국 기반의 한국 작가’ 서안나, Anna Jung Seo는 국외자의 시선으로 어느 장면 하나 쉽게 놓치지 않는다. 그는 글줄 하나를 번역했을 때 발생하는 미묘한 차이에도 오래 고민한다.

그의 작품에 담긴 것은 그 미묘함들이다. 그의 작품은 대상을 낯설게 바라보는 섬세한 시선을 담고 있지만, 그 낯섦은 세상을 처음 바라보는 어린 시절의 경기(驚起)와 같은 것이 아니라, 친절하고 따스한 통찰을 담은 것이다. 신간의 목록을 훑는 것만도 바쁜 세상에 그는 토마스 만의 <마의 산>이나 <키 작은 프레데만 씨> 같은 고전을 손에 들고 있다. 그의 독서 목록은 그가 세계를 바라보는 유연한 태도를 탄탄히 지켜주고 있다고 생각된다. 착하거나 비열하거나 저속하거나, 승승장구하거나 고통 속에 있거나, 그것은 모두 삶의 한 장면들이라는 수용적 태도 말이다. 그의 작품 속에서 그 장면들은 모두 ‘과정’의 일부인 것처럼 보인다. 어떤 결론을 향해 가지 않는, 쉽게 결론을 내지 않는, 기다려주는 시선이 그의 작품에 담겨 있다. 그래서 그의 화면은 생각의 결과가 아니라 생각하는 과정으로서 형태를 찾은 것처럼 보인다.

이번 전시에 출품되는 <들숨>과 <날숨>은 런던의 버스 안에서 앞자리에 앉아 머리를 등받이에 기대고 쉬는 어떤 사람의 모습이 담겨 있다. 익명적인 형태의 둥근 머리는 어린 아이 같기도 하고 남자 같기도 여자 같기도 하고 노인 같기도 하다. 인종과 성별과 나이가 어 찌 되었던, 그저 한 사람이 버스의 창문으로부터 들어오는 바람을 맞으며 잠깐의 휴식을 취하고 있는 모습이다. 얼굴은 보이지 않지만 아마 눈을 감았을 것만 같다. 대중교통에서 지쳐 늘어져 있는 인간 군상들의 그림은 아주 쉬운 소재여서 이 작가 저 작가의 그림에서 ‘대상화’되어 있는 모습을 많이도 보아 왔지만, 서안나의 작품 속에 있는 그 인물은 그가 나인지, 내가 그인지 알 수 없는 밀착되는 감정을 불러일으킨다. 그는 이 작품을 두 번 반복해서 그리며 한 작품에는 <들숨>, 다른 작품에는 <날숨>이라는 제목을 부여했다. 들숨과 날숨을 반복하며, 그림 속 인물은 살아있다. 세계의 모방이 예술인 것인지, 예술의 모방이 세계인 것인지, 나는 그 작품들을 본 이후 버스에 탄 사람들의 모습을 서안나의 시선으로 바라보게 되었다. 그의 담담하지만 공감적인 시선은 낯선 대상에 가 닿으면서 쉽게 ‘이해’ 하려 하거나 ‘해석’하지 않는다. 그래서 그의 그림들은 바라보는 자들의 공간을 크게 남겨놓는다.

그가 실제로 경험했던, 혹은 읽었던 책으로부터 강렬하게 느꼈던 어떤 이미지를 빠르게 담아내는 것은 캔버스보다 더 손에 잡기 쉬운 스케치북에 담겨 있다. 물감의 두께 때문에 뚱뚱해진 그 스케치북은 한 손에 잡아 후루룩 넘길 수가 없을 만큼 서로 다른 그림들로 이어져 있는데, 어느 때는 한 페이지에 한 장면이 그려지기도 하지만, 펼쳐진 페이지의 양쪽에 하나의 그림이 그려지기도 한다. 한 장 한 장은 따로 떼어내 전시를 해도 좋을 만큼 흥미로운 것들이었지만, 한 권의 유일한 그림-책으로 존재해도 좋을 것이었다. 애초에 이 스케치북은 전시를 목적으로 만들어진 것이 아니다. 전시를 염두에 두었다면 종이의 양면에 서로 다른 그림을 그리지는 않았을 것이기 때 문이다. 그의 스케치북에는 타협이 없다. 애초에 ‘관객을 상정한’ 그림이 아니기 때문에 작가 자신의 순전한 몰입이 날것으로 담겨 있다. 이것을 어떻게 보여줄 수 있을 것인가, 하는 고민은 앞으로 그의 작품을 전시하는 큐레이터의 몫이 될 것이다.

이번 공작새방에서의 전시를 미리 보기 위해 다시 그의 그림 앞에 섰을 때, 예상대로 그의 작품은 들쭉날쭉한 작은 캔버스들로 이루어 져 있었다. 작은 크기는 작품에 가까이, 더 가까이 보는 이를 끌어들이기 때문에, 그가 담아내는 이야기들에 딱 들어맞는 것으로 보였 다. 그의 그림들이 보여주고 있는 것은 거대 서사가 아니라 대부분의 사람들이 놓친 순간들이기 때문이다. 그의 작은 그림들이 열어주는 문 속으로 들어가면, 누가 이 순간들을 함부로 결론으로 이끌어갈 수 있겠는가 싶다. 단정적이거나 영웅적이지 않고, 복합적이고 개별적으로 분산되는 미묘한 순간들이 그림을 바라보는 사람의 시간 속으로 스며드는 것, 그것이 서안나 작가의 작품이 주는 새로운 경험 이다.

Anna Jung Seo: Past Participles: Looked, Shopped, Gone!

 

The painting practice of Anna Jung Seo is unmistakeably a daily undertaking—a means of understanding the world around her through cultural activity. But it is also a means of understanding previous cultural activity through the world as we find it now. This connects it to a lineage or loop which can at times feel lost or broken. Seo proves the viability of the anecdotal as a means of production—and a form of understanding.

Originally from Korea, Seo has lived and worked in London for 19 years—and this seems to inform much of what she does. Figures, observed or encountered on trains, in markets, on benches, at events, or making their way from A to B, are pondered in ways both knowing and curious.

It is clear that Seo’s responses to these ‘characters’ are not those of the politically engaged/sympathetic documentary ‘observer’, à la Dorothea Lange. Thankfully, neither does she seem remotely interested in mythologizing any kind of ‘vibrant, dynamic, or cosmopolitan’, contemporary moment.

Instead, she seems drawn to the theatricality of behaviour. Her paintings occupy a heightened, histrionic corner of the sociological. Seo’s primary fascination seems to be surface motive and the way individuals present themselves to her in passing. The agency of the figures she paints is rarely ambiguous. What controls them often seems significant by virtue of its peculiar, specific clarity: pride, pretension, artifice, confusion, madness, misfortune, poverty, boredom.

Anna Jung Seo’s observational, anecdotal record of the world—and of London in particular—is factual in a distinct, subjective sense. It tells us as much about the artist as it does the city. Like Hogarth etchings, her paintings undeniably represent one empirical truth about the things they depict. It seems clear that Seo is not interested in arriving at balanced or rational shared understandings—and admirably so. Instead, she responds quickly, examining her own prejudices, hang-ups, and cultural biases later.

Seo’s ‘knee-jerk’ reactions never feel like ‘mistakes’, ‘errors’, or ‘oversights’; rather, they become important tools for the production of the work. In their subjective authenticity, the paintings contain their own, ‘higher-stakes’ brand of rationalism. Far from suggesting a presumptuous ‘gift’ for understanding or empathizing with those she chooses to paint, Seo’s work suggests a deep scepticism about the possibility of discerning the motives of others at all. This is especially relevant and useful in a city as diverse and unpredictable as London, where the scraps of business we witness don’t allow us to assemble anything like ‘authentic’ characters.

Her paintings might seem to describe the city as an addled, bacchanalian, cruel, obscene place. But it is also ultimately proud of such flamboyant flaws. The paintings contain totally genuine descriptions of artifice. In this sense, they feel part of a romping literary tradition. They encourage thoughts of Defoe, Fielding, Sterne, Thackeray, and Dickens—as much as of any painter.

Literary connections aside though, it is eminently possible to tie Seo’s practice to a particular strain of western painting too. In fact, something in her practice makes it seem foolish or careless not to do so. As much as her work feels diaristic or first-hand, it is also clear that she is closely engaged with painting as an historical activity.

Seo refers to the dandyism and fin de siècle suave of Whistler and Degas. She touches on Sickert’s sombre, soused, mucky Victorianism. She presents us with non-sequiturs: odd, idiosyncratic scenes reminiscent of Eilshemius. She nods towards the artifice of Vuillard’s decorative interiors. Viewers might at times think of Roualt’s heavy, almost illustrative religio-primitivism, or Charchoune’s druggy, seemingly flippant formalism. Soutine too seems to wander about in a sometimes collapsed or collapsing London.

Some of the flourishes behind Anna Jung Seo’s version of what/who the painter could be might lead us to imagine her paintings as made ‘in character’—which is perhaps a bridge too far. But undoubtedly, within what Seo does, there exists an understanding of the painter him/herself as a theatrical, role-playing agent/actor—one of a multitude at work in the city.

As such, Seo’s paintings are never deadpan, cool, flat, or mute. Instead, they are full and often funny. They have a kind of hothouse intensity. They are captivating and memorable thanks to an unwieldy and somehow brilliantly distasteful kind of luxuriance in their own subjective languages—and in the unknown subjectivities of their subjects. They don’t support the existence of the ‘long-modern’ we are often told about, so much as an ‘endless-baroque’.

Anna Jung Seo: Past Participles: Looked, Shopped, Gone!

서안나에게 그림은 의심할 여지 없는 일상의 일이고, 문화적 활동을 통해 주변 세상을 이해하는 수단이다. 그는, 또한, 그림을 통해 지금의 세상을 표현하며 이를 구성한 과거의 문화적 활동을 이해하기도 한다. 이같이 선적인, 혹은 순환적인 과거와 현재의 결탁은 때로 약해 보이고 그래서 놓쳐버릴 것만 같지만, 그는 이 틈을 일화(逸話)의 힘을 빌려 그림으로 그리며 세상을 이해한다.

 

서안나가 지난 19년간 작업한 런던은 그의 작업세계에 크게 영향을 미쳤다. 그의 회화에 등장하는 많은 인물은 전철, 시장, 길가의 벤치, 어떤 행사에서, 혹은 A에서 B로 향하던 중 마주치거나 관찰된 대상이다. 그는 이 인물들을 호기심에 가득차서 사려 깊게 관찰하고 그려가면서 알아간다.

 

서안나는 도로시아 랭(Dorothea Lange)과 같은 정치적 색을 띠거나, 또는 연민 가득한 다큐멘터리의 ‘관찰자’로서 이런 ‘인물들’을 마주하지 않는다는 점은 분명하다. 다행히 그는 ‘활발하고 역동적인 거대도시’의 현재를 신화화하려는 것 같지도 않다.

 

그는 대신 행동의 연극성에 관심을 두는 것 같다. 서안나의 회화는 사회학의 강렬하면서도 역사적인 면모를 보여준다. 그는 주로 표면적인 동기에 매료되고, 우연히 일견하는 인물이 자신을 드러내는 방식에 이끌리게 되는 것 같다. 인물들을 그리는 작가의 태도나 견지가 모호한 경우는 거의 없다. 작가가 그린 인물들은 자신감, 겉치레, 위선, 혼란, 광기, 불운, 가난, 권태 등 특이한 상태에 빠져 있는데, 그것이 개별적으로 명료하게 드러난다는 점에서 매우 의미 있다.

 

세상 -특히 런던 -에 대한 서안나의 기록은 관찰에 기반한 것인 동시에 일화적인 것으로, 분명하고도 주관적인 관점이 드러나기에 사실적이라고 평할 수 있다. 이 기록적, 서사적 회화를 통해서 우리는 작가에 대해서 그리고 그만큼이나 그 도시에 대해서도 알게 된다. 호가스 (William Hogarth)의 에칭 판화에서와 같이 서안나의 그림에서 보이는 묘사를 통해 경험적 진실을 느낄 수 있다. 그는 사회가 공감하는 이성적인, 혹은 완벽하게 균형 잡힌 이해에 도달하려 하지 않는다. 오히려 지체 없는 감각적 반응을 통해서 자기 자신의 선입견, 집착 그리고 나아가 문화적 편견을 검증해보고자 한다.

 

서안나의 ‘즉각적인’ 반응들은 결코 ‘실수’나 ‘오류’ 혹은 ‘경솔한 판단’이 아니라, 오히려 작품을 만들어내는 중요한 도구로 보인다. 주관적 진실성이 존재하는 그의 회화는 이성론에서 보이는 일종의 ‘위험을 무릅쓰는’ 양상을 갖는다. 그는 그리고자 선택한 대상들을 쉽게 이해하고 이에 따른 공감을 표현하는 자신만만한 ‘재능’을 보여주기보다 타인의 동기를 관찰, 식별할 수 없음을 논한다. 이는 서안나가 다양성, 예측불허한 도시의 공간성이 존재하는 런던을 이해하고 살아내는 방법과 깊이 관련된다. 런던 같은 도시에서 우리가 보고 있는 일들의 단면들을 통해서 인물의 ‘진짜’ 캐릭터를 구축하기란 쉽지 않다.

 

어쩌면 부패하고, 흥청대고, 잔인하며, 음탕한 곳으로 도시를 묘사하고 있는 것으로 보일 수도 있지만, 작가는, 요란 법석한 잘못들을 끝내 자랑스럽게 끌어안는 도시를 진정성 있게 묘사한다. 이 관점에서 보면 그의 작품이 전통적 문학의 범주안에 있다고 말할 수 있다. 그의 회화는 회화작가뿐만 아니라, 대니엘 디포(Daniel Defoe), 헨리 필딩 (Henry Fielding), 로렌스 스턴(Lawrence Sterne), 윌리엄 사크레이(William Thackeray), 찰스 디킨스(Charles Dickens)와 같은 문학작가를 연상케 한다.

 

서안나의 작업은 문학 뿐만 아니라, 서양 회화의 한 경향과 분명 접점을 갖는다. 사실 그의 회화를 주의 깊게 본다면 이런 연관성을 놓칠 수 없다. 그의 자전적, 직접적 회화는 또한 역사적 기록을 하는 회화의 역할을 상기하기도 한다.

 

서안나의 회화는 휘슬러(James A. M. Whistler)와 드가(Edgar Degas)의 세기말 댄디즘과 연계되고, 월터 시커트(Walter Sickert)의 음울하고 시큼한, 혹은 눅눅한 빅토리안 시대와 맞닿아 있다. 또 특이하고 기묘한 장면의 묘사를 통해 루이스 엘쉬미우스(Louis Eilshemius)를 연상시키는 비합리적인 추론을 관객에게 제시하고, 에두아르 부이야르(Edouard Vuillard)의 솜씨 좋은 장식적 실내 묘사와 관련된 듯하다. 때로는 조르쥬 루오(Georges Roualt)의 무거우면서도 설명적인 종교적-원시주의, 혹은 세르게이 샤르슈느 (Serge Charchoune) 의 흐물거리는, 진지하지 않은 듯한 형식주의를 상기하기도 한다. 챠임 수틴(Chaim Soutine) 역시 때로는 무너져 내린 또는 무너져 내리고 있는 런던을 떠돌고 있는 것 같다.

 

(다음 추론의 연결고리는 너무 약한 것일 수도 있지만) 그는 우리에게 ‘등장인물을 통해’ 서사하는 그의 회화를 설득하기 위해 어떤, 무슨 화가가 될 지 많이 고민했을 것이다. 서안나의 회화에는 화가 자신을 연극무대에서 임무를 수행하는 대리인/ 배우로 이해하고 있는 태도가 분명 보인다. 이 도시에서 일하고 있는 대중 가운데 하나로서 말이다.

 

이처럼, 서안나의 그림은 결코 무심한 채로 유행을 따르는 것이 아니며, 단조롭거나 조용하지 않다. 대신 그림들은 무언가로 꽉 차 있고, 종종 재밌고, 온실 속의 강렬함 같은 것이 있다. 그의 작품은 시선을 잡아 끌고 강렬하게 기억되는데, 이는 주제들에 대한 알 수 없는 주관성에서 기인한, 지극히 주관적인 회화언어로 가득 찼다는 점에서 비롯되고, 더불어 거추장스럽지만, 어쩐지 멋들어지게 몰취향적인 면 때문일 것이다. 서안나의 회화는 우리가 종종 들어왔던 ‘ 오랜- 모던’이나 ‘끝없는-바로크’의 편에 서지 않는다.

Korean born, London-based artist Anna Jung Seo explores emotional responses to distance. Living apart from close family members, she knows well the psychological tensions brought on by separation. Her psychologically fraught painting bridges the general and personal, using her relationship with her own family as a vocabulary through which to draw out more widespread truths.

Jung Seo’s recent practice examines ways of conveying the interior feelings of her subjects-ranging from longing to regret to shame and anxiety – through her painting practice. Her recent ‘Her 81 Paces’(2014) series was inspired by her mother’s visit to London. Her mother’s footsteps, the traces of her presence here, are mapped onto multiple layers of scrim giving the work an ephemeral presence and shifting special perspective.

Over her year at the Florence trust, Jung Seo has expanded her conception of painting, embracing elements of sculpture and installation. Moving from the personal to the historical, her ‘Does Anyone Know This Person?’(2015), exhibited at the Summer Exhibition, addresses the plight of war-dispersed families of Korea. Painting individual portraits of those affected on wooden blocks, Jung Seo gives a fragment of her attention to each person’s story, drawing attention to the myriad of personal perspectives. The work stands as a poignant symbolic reminder of the implications of a globalized workforce and the challenging situation many migrants find themselves in.

Sometimes I see a drawing that takes criticism away. It is no good taking a high and mighty position towards it because it is something that just is. The shadow of Mausolus crosses the bottom left hand corner of Anna’s drawing. In front of the diagonal recession of the frieze, a student crouches as if the spectral leopard behind her might be regarding her as prey. Light and dark, Life and death, chiaroscuro. A life room in which an elderly teacher is huddled beside a student as if both were finding the weight of art was too much for them: space, light, meaning. These drawings simply exist and I for one do not object.

Anna lives on the top floor of a pile of flats. All around are rooftops surmounting an abyss that is hard to fathom though occasionally one can catch a glimpse of a street far below. The late Victorian architecture is crowned with pyramids and pinnacles. Light can play interesting tricks across these variegated planes but at night darkness reigns.

Anna’s paintings form a meditation from this lonely height on the inanimate structures about her but they are loaded with meaning in the same way as her drawings.

Who is this oriental visitant caught between inconsistent cultures, carving out a position for herself against all comers? Mother, wife, artist, scholar of French literature, seeker, catholic – yes catholic in the sense universal. Will she be able to achieve a synthesis out of such diverse materials? She seems to be succeeding, but she needs an audience, people capable of responding to her work, people who believe in it who can empathise with what she is and what she hopes to achieve.

Tagore once wrote that the most important aspect of his time was that the East had met the West. What a collision! But from the force of this impact diamonds are being produced.